Exposition "Arts écosytémiques/Architectures algorithmiques"

L'oeuvre bio-numérique complexe.
Elle rassemble un écosystème d'œuvres co-générées. Une charte artistique et des algorithmes évolutionnaires choisis encadrent sa création.

Des objets pré-existants sont choisis. Ils deviennent des œuvres-mères qui constituent sa base génératrice. Ces dernières sont dérivées algorithmiquement pour produire des sous-œuvres – au sens de « sous-espèces » - ou œuvres-filles. Le processus génératif complexe est inspiré de la phylogénétique, de la morphogénétique et des modes de reproduction du vivant. Les sous-œuvres donnent naissance à d'autres sous-œuvres par les mêmes procédés. Elles peuvent aussi être obtenues par hybridation algorithmique de deux ou trois œuvres-mères ou de deux ou trois sous-œuvres.

Ce sont les algorithmes qui permettent de transférer les informations portées par les codes artificiels d'une sous-œuvre à une autre en agissant à la manière des codes génétiques naturels. Les hybridations entre algorithmes sur-informent chaque sous-œuvre. Les algorithmes encadrent l’organisation des couleurs, des dimensions, de l'intensité, de la matière, des volumes, de la luminosité ou des proportions.

Chaque sous-œuvre est ainsi "génétiquement" contextualisée par les algorithmes qui la génèrent et par ceux qu’elle génère. Elle est « épigénétiquement » contextualisée par la matière dans laquelle elle s’in-forme : 2D, 3D, béton, résine, couleur, noir et blanc, matériel, immatériel.

Le mode génératif de l'Œuvre bio-numérique complexe n'est pas produit par le hasard des mutations ; c'est un choix de type artistico-subjectif qui participe à son évolution.
Les processus de création convergent dans une même direction non pas concertée mais émergente et soumise à la sérendipité. Les parcours conceptuels sont pour partie arbitraires, subjectifs, aléatoires et pour partie pré-programmés. Une sous-oeuvre 3D peut être dé-générée (déconstruite, déclinée) algorithmiquement et ré-générée soit en 3D soit en 2D. Une sous-œuvre matérielle peut être dé-générée-re-générée en sous-œuvre immatérielle et vis-versa. Toutes les espèces – au sens biologique du terme - de sous-œuvres co-existent dans l'Œuvre numérique complexe.

L'ensemble des équations algorithmiques qui génèrent l'Œuvre bio-numérique complexe installe une écologie des algorithmes en générant des données massives qui peuvent être analysées par des lectures profondes. Ces équations sont l'"âme artificielle" de l'oeuvre. Ce méta-algorithme et son évolution, sont régis par une génétique des méthodes ; ils sont parties intégrantes de l'œuvre.

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"Encodages naturels, décodages numériques et processus urbains/architecturaux"
(ENSAPVS M1/M2, DE EcologieS, CMAU)

Les mutations écologique et numérique, toutes deux incontournables, sont pourtant généralement considérées comme opposées l'une à l'autre. Il est au contraire nécessaire de les envisager comme deux piliers de la socété de demain, et de réfléchir à leurs convergences conceptuelles et inventives voire leurs possibles hybridations. En d'autres termes, comment proposer, en tant qu'architectes, une articulation projétuelle entre ces deux mondes qui semblent devoir s'ignorer ?

Il s’agit de comprendre les vrais mécanismes du vivant, pour les injecter dans la démarche de projet urbain et architectural. Il s'agit également de comprendre comment les nouvelles cultures numériques peuvent aider à projeter des organisation complexes, inspirées du vivant et inscrites dans l'espace de leur territoire d'accueil. Dans cette quête, l'art constitue une référence intéressante.

Les étudiants sont ainsi amenés à projeter un urbanisme auto-organisé, une agriculture hybridante ou des architectures génératives. L’objectif est de penser le projet comme assemblage écosystémique, d’aborder la ville comme écosystème de low-tech et de high-tech.. En d’autres termes, la méthode proposée consiste à utiliser les logiques du numérique (algorithmie, paramétrage, computation) afin de constituer l’ADN d’un projet écologique. Il est question d’adapter le numérique pour ré-inventer des bio-mimétismes nouveaux. Ce ne sont pas des formes, mais des propriétés (résilience, diversité, auto-organisation,...) et des processus, qui seront interrogés afin de permettent de construire les projets.

Depuis 1978, Miguel Chevalier utilise l'informatique comme moyen d'expression dans le champ des arts plastiques. Il s'est imposé internationalement comme l'un des pionniers de l'art virtuel et du numérique. Son oeuvre, expérimentale et pluridisciplinaire, prend ses sources dans l'histoire de l'art dont il reformule les données essentielles. Son travail aborde la question de l'immatérialité dans l'art, ainsi que les logiques induites par l'ordinateur, tels que l'hybridation, la générativité, l'interactivité, la mise en réseau. Il développe différentes thématiques, telles que la relation entre nature et artifice, l'observation des flux et des réseaux qui organisent nos sociétés contemporaines, l'imaginaire de l'architecture et des villes virtuelles, la transposition de motifs issus de l'art islamique dans le monde numérique. Les images qu'ils nous livrent interrogent perpétuellement notre relation au monde.

Trans-Natures présente une nature artificielle dont les formes rappellent la végétation des sous-bois, mêle différentes espèces d’arbres, d’arbustes, de brindilles et de feuillages. Cette œuvre questionne la notion de vie artificielle et les enjeux de la manipulation génétique : nul ne peut prédire ce que produiront ces « fleurs fractales » libres de se croiser et de se reproduire à l’infini...Ce jardin alerte sur une nature à préserver, cherche à recréer les conditions d'une symbiose entre l'homme et la nature.

Méta-Ivry traite de la mutation de la ville d'Ivry-sur-Seine. Une bande d'images vidéo filmées dans les rues d'Ivry se superpose à des éléments d'architectures imaginaires en 3D. Ce travelling qui traverse la ville de part en part, crée un télescopage troublant d'images, renforcé par l'univers sonore créé par Jacopo Baboni Schilingi, qui emprunte des références sonores lié au milieu urbain (chantier de construction, circulation automobile...). Miguel Chevalier saisi avec le virtuel l'insaisissable et traduit les formes nouvelles de la vie contemporaine et des villes aujourd'hui : renouvellement incessant, vitesse, transformation.

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L’une des spécificités de mon travail d’artiste plasticien se trouve du côté des corpus que je convoque, mobilise et réactualise. Ce processus de décantation engage les notions de génératif, de langage et d'architecture, et conduit à des créations transdisciplinaires, de l’installation vidéo à la performance, ainsi qu’à l’écriture de livres d’artiste cernant certaines des questions liées aux ambiguïtés de la production artistique dans une époque de doute envers notre réel et l’épaisseur de nos expériences. Dans mon travail de photographie numérique, j’essaie toujours d’aborder les centres d’art que je photographie en me laissant transformer par eux, sans offrir de résistance : c’est un lâcher prise qui oriente peu à peu les prises de vues. Je traque ainsi les recoins des musées, centres d’art et fondations afin de prendre littéralement conscience de ce qui se joue dans les marginalia de la monstration, c’est-à-dire de saisir ce que l’on voit quand on ne regarde plus œuvres exposées. C’est donc aussi une posture d’être présent au monde que je recherche à travers ces photographies, dans un suspens du temps censé ouvrir les portes à une autre perception du monde. D’entrevoir ainsi la possibilité de percevoir et de comprendre que ce que nous regardons est aussi une entité, vivante ou non, qui nous regarde.

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Après des études en Russie, Olga Kisseleva, titulaire d’une thèse de doctorat sur le thème de la vidéo et de l'art informatique, rejoint une équipe de créateurs travaillant au développement de technologies numériques à la Fulbright Fondation aux États-Unis. En 1998, elle devient enseignante à la Sorbonne. Elle est désormais directrice de l'Institut international des arts et des sciences et responsable du programme Art et Médias de la Sorbonne.

(h)être le temps se concentre sur la question des relations entre l'humain et la nature, l'humain et son environnement, comme part de l'héritage même de l'espèce humaine autant qu'une condition sine qua non de sa survie. Fruit d’une collaboration interdisciplinaire, les œuvres qui en résultent ont pour but de redéfinir notre approche et notre compréhension des plantes, êtres vivants non-humains, mais essentiels à la perpétuation de l'humanité, par leur présence et leur rôle dans les processus de vie. Elles rendent compte d’une autre perception du temps, notamment dans sa dimension cyclique, et des conséquences de cette dernière sur notre environnement. Nous proposons d’envisager le temps en fonction des rythmes du monde végétal, particulièrement des arbres, et de leurs différentes stratégies de survie, en se basant sur l'observation anatomique, la biomécanique et la neurobiologie des plantes. L’œuvre se compose d’une série de coupes de bois et d’une vidéo.

(h)être le temps Cette série montre des coupes d’arbres situés sur le lieu d’évènements historiques dramatiques. Ces tragédies sont aussi vécues par les arbres et visibles dans les cernes de croissance. Le bouleau vient d’un bosquet à proximité d’Auschwitz. Le chêne vient de Mauthausen, la coupe a été réalisée en collaboration avec le CNRS et le Futurlab d’Ars Electronica grâce au Prix STARTS de la Communauté Européenne. L’orme a été prélevée à Baby Yar, le lieu de naissance de la Shoah par balles. Cette coupe fait partie de l’installation Memory Garden réalisée pour le futur Mémorial d’Holocauste en cours de création à Kiev. Le hêtre fait partie d’un nouveau projet initié en 2021 au camp de Gurs dans le Béarn.

(h)être le temps La vidéo retranscrit le dialogue entre deux arbres génétiquement proches mais situés des deux côtés du fleuve Jordan. Ce travail a été réalisé en 2017-2019 en collaboration avec le laboratoire d’archéobotanique de l’Université de Bar Ilan et la chercheur Lilia Chak, dans le cadre du projet Listening to Trees Across the Jordan River. En 2019-2020 cette œuvre-dialogue a été présentée simultanément dans le Musée d’art contemporain du Néguev (Israël) et dans la Jordan National Gallery of Fine Arts (Jordanie).

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TORE PANTHERE / Torus pardus : exosquelette en PLA issu de la synthèse stéréolithographique. Colonie simulée ici à différents stades de développement sur fond sableux par 22 m de fond dans le golfe du Lion en novembre 2017. On remarque la croissance du motif panthère (pardus) des percements qui évolue de façon corrélée à la taille des individus. Le torus pardus est un habitat artificiel, un exosquelette qui sert de support à différents organismes coralligènes, à de nombreuses espèces plus ou moins fixées de vers (polychètes sédentaires et errants, (vers tubicoles) ainsi que d’abris aux espèces benthiques de poissons et de juvéniles. Ces derniers mettent à profit les diamètres de percement et le couvert torique pour se protéger des prédateurs tandis que d’autres espèces (serrans communs, sars, gobies,) trouvent dans la colonie un habitat hybride comparable aux milieux lithiques. En plus du suivi scientifique de l’évolution de la faune halieutique et des activités de pêche professionnelle et de loisir, cette première colonie de Torus pardus est destinée à recevoir de nombreuses visites de plongeurs sous-marin.

- Conception : Xavier Lagurgue, architecte, chercheur CRH-LAVUE.
- Représentation : XLGD architectures, Yassine Bruneau, Fab Lab,École Nationale Supérieure d’Architecture, Paris Val de Seine.
- Expérimentation : Dr Philippe LENFANT. UMR 5110 CNRS/UPVD – CEFREM- Université de Perpignan- Projet de recherche « SAFRAN ». 

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Artiste française et chercheure en arts visuels numériques interactifs, Sophie Lavaud est titulaire d’un doctorat de l’université Paris 1, Panthéon-Sorbonne.

Passionnée par l’histoire de l’art et des techniques, elle a pratiqué le dessin, la peinture et depuis les années 90 elle utilise des techniques digitales : images fixes et animées, 2D, 3D, Réalité Virtuelle, Intelligence et Vie Artificielles pour créer des « Tableaux-Systèmes Dynamiques » vivants et sociables qui répondent au spectateur grâce à des capteurs de position et de mouvement.

Pour son projet « Emergilience » elle présente dans une première version intitulée « Emergilience Part_One » une série de 6 « Tableaux-Systèmes Dynamiques Infinis ». Chaque tableau se matérialise sous la forme d’une animation générative produite par un programme informatique exécutable. Micro-univers en perpétuelle évolution, chaque animation est composée de micro-particules dotées de règles de comportements individuels amenant, par leurs interactions à un processus d’auto-organisation conduisant à l’émergence de formes comme états relationnels plus ou moins stables.

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Diplômé de sculpture de l’École des Beaux-Arts de Munich, Konrad Loder mène aujourd’hui sa carrière d’artiste et d’enseignant en France, à la Haute école des arts du Rhin (HEAR) à Strasbourg et en Allemagne.

Zéro déchets : les résidus inévitables du travail plastique de l’œuvre précédente génèrent l'œuvre suivante. Ils en déterminent l’aspect visuel et le format. Les interstices du patron initial deviennent soudainement importants. De la même manière, les fonds des pots de peinture laissent leurs traces sur les futurs objets. Dans mon atelier, je révèle les analogies avec les systèmes écologiques. Comme dans la nature, je recherche l’économie d’énergie dans les productions plastiques. La compréhension du monde inspire depuis toujours mon travail plastique.

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Jonathan Pêpe, formé aux Beaux-Arts de Bourges puis au Fresnoy, expose dessins, vidéos, installations et films. En axant ses recherches sur la distinction entre le vivant et le non-vivant, il interroge cette relation intime entre l'humain et l'outil. En 2017 dans le cadre de l'exposition " Rêve des formes " au Palais de Tokyo, il a notamment réalisé Staglamême, une installation immersive résultant d'une collaboration avec le spécialiste du big data David Chavalarias et l'artiste Thibaut Rostagnat qui traitait de l'effervescence d'informations inhérentes aux réseaux sociaux. Jonathan Pêpe a par ailleurs exposé à la Villa Vassilief en 2016, au Palais de Tokyo à Pair2 art center (Taiwan). Il présente en ce moment à l'Espace Le carré (Lille) un film, Bassin d'attraction, réalisé dans le cadre du prix Wicar qui donna lieu à une résidence à Rome.

Borne d'arcade, œuvre inédite conçue pour l'exposition, Borne d'arcane questionne le rapport entre l'architecture et la simulation informatique : le serveur, lieu du calcul, évoque l'idée de générativité virtuelle;  l'architecture d'une carte mère définit la manière dont une carte mère est structurée. Le dispositif met en scène à l'intérieur d'un rack informatique le film Graveyard connexion, conçu grâce au calcul et à la simulation et comportant de nombreux travelings dans les data-center. Les plantes sont ici des offrandes comme celles que l'on apporte dans un cimetière, pour célébrer une nouvelle fête : La saint-Data.

Le couple d’artistes Scenocosme réunit Grégory Lasserre et Anaïs met den Ancxt. Ils vivent et travaillent ensemble depuis 2003 en France en région Rhône-Alpes. Artistes plasticiens, ils détournent diverses technologies pour créer des œuvres d’art contemporaines. Ils développent la notion d’interactivité, par laquelle l’œuvre existe et évolue grâce aux relations corporelles et sociales des spectateurs. Ils réalisent d’étonnantes hybridations entre technologies et éléments vivants ou naturels. La plupart de leurs œuvres interactives perçoivent diverses relations invisibles entre les corps et l’environnement. Ils rendent sensibles les variations énergétiques infimes des êtres-vivants en proposant des mises en scène interactives où les spectateurs partagent des expériences sensorielles extraordinaires.

Phonofolium est une œuvre interactive présentant un arbuste qui réagit au moindre contact électrostatique humain par des sonorités. Lorsqu’une personne caresse l’arbuste, celui-ci se met à chanter en fonction de la proximité du contact. Scenocosme travaille sur des hybridations possibles entre végétal et technologie numérique. Les plantes sont des capteurs naturels et vivants, sensibles à des flux énergétiques divers qu’ils proviennent de nos corps ou de l’environnement où elles sont exposées. En mêlant réalité et imaginaire, les artistes proposent une expérience sensorielle qui questionne nos relations énergétiques invisibles avec les êtres-vivants.

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Artiste plasticien, Antoine Schmitt crée des œuvres sous forme d’objets, d’installations et de situations pour traiter des processus du mouvement et en questionner les problématiques intrinsèques, de nature plastique, philosophique ou sociale. Héritier de l’art cinétique et de l’art cybernétique, nourri de science-fiction métaphysique, il interroge inlassablement les interactions dynamiques entre nature humaine et nature de la réalité. À l’origine ingénieur programmeur en relations homme-machine et en intelligence artificielle, il place maintenant le programme, matériau artistique contemporain et unique par sa qualité active, au cœur de ses créations pour révéler et littéralement manipuler les forces à l’œuvre. Avec une esthétique précise et minimale, il pose la question du mouvement, de ses causes et de ses formes.

Pixel Noir est une installation visuelle générative. Une forme mouvante constituée d’un essaim de pixels blancs vidéoprojetés habite toute la surface d’un mur blanc, mais montre une attirance compulsive pour un vrai tableau carré noir accroché en son centre, sans jamais toutefois pouvoir y pénétrer : elle s’y frotte, s’y cogne, rebondit, part, revient, etc… La chorégraphie générative qui guide les pixels, construite sur un langage de forces psychologiques et physiques, explore indéfiniment toutes les variantes des dynamiques de relation obsessionnelle entre l’entité en mouvement et le carré noir fixe.

Par le contact des pixels de lumière contre la matière physique et par la référence directe au Carré Noir sur Fond Blanc de Kasimir Malevitch, cette œuvre articule la recherche formelle de l’artiste autour de la programmation du mouvement avec une réflexion sur les rapports entre l’art programmé et l’Histoire de l’Art.

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